Recordando a Selena, a 27 Años de su Muerte

Resulta increíble ver como más de un cuarto de siglo después de su muerte, el nombre y la imagen de Selena Quintanilla continúan intactos para la mayoría de sus fanáticos, viejos y nuevos. 

Demasiado Pronto

Selena Quintanilla Pérez se encontraba en un momento profesional único, comenzando a acaparar el mercado anglo de los Estados Unidos, por lo que su asesinato shockeó a millones de personas que la seguían.

Algunos Regresos

27 años después de que la presidenta de su club de admiradores le quitara la vida, cuando tan sólo tenía 23 años de edad, se anunció que la película “Selena”, protagonizada por Jennifer Lopez, regresa a los cines, al tiempo que MAC Cosmetics anticipó el lanzamiento de una segunda colección de maquillaje inspirada en la cantante Tex-Mex.

La Gran Novedad

Lo verdaderamente importante de esta serie de acontecimientos, ha sido el anuncio de la salida de un nuevo disco de la cantante. La producción cuenta con 13 temas se los cuales 10, serían completamente inéditos.

Según se sabe, su hermano A.B Quintanilla habría logrado digitalizar la voz de la reina del Tex-Mex, para poder utilizar temas grabados incluso cuando Selena era una adolescente. La magia de la tecnología actual le habría permitido lograr que esas grabaciones suenen con la voz adulta que todos conocimos previo a su fallecimiento.

El Amor no Muere

Lo más impresionante del amor de sus fanáticos, es que no es sólo demostrado por la generación de seguidores que la conoció en vida sino también por las nuevas que escucharon y asimilaron su música muchos años después de su muerte.

Mientras aguardamos ansiosamente por la salida de esta nueva producción, te compartimos algunos de sus éxitos más sonados:

https://youtu.be/pjDc3nK8cN4
Recordando a Selena, a 27 Años de su Muerte

Compositores Favoritos Que no Sabes Que Conoces  

Durante muchos años, los compositores de música eran como fantasmas que habitaban detrás de muchos de nuestros temas favoritos. Eran personajes conocidos sólo por intérpretes o ejecutivos de la industria, que recurrían a ellos en búsqueda de nuevos hits.

Solía asumirse que quienes componían detrás de aquellos grandes nombres del mainstream, eran cantantes frustrados o simplemente creadores que preferían mantenerse en las sombras, alejados del ojo público.

Lo cierto es que en muchos casos, cuando esos compositores expresaban su deseo de cantar sus propias canciones, no recibían el apoyo necesario, por estar ya etiquetados en una categoría diferente.

Sin ir más lejos, fue el mismo Jhay Cortez, quien esta semana publicó un video saliendo en defensa de aquellos productores y compositores, que quieren tener su merecido lugar en la escena musical actual.

Algo similar ha sucedido con productores como Tiny o Bizarrap o incluso los DJ’s como Tiesto o David Guetta, quienes salieron del anonimato creando música propia, y son hoy tan o más conocidos que muchos de los artistas que participan en sus producciones. 

Desde la creación y el auge de plataformas como Apple Music o Spotify, en combinación con las redes sociales, muchos de estos creadores, encontraron la forma de dar a conocer la otra cara de su arte, sin la necesidad de intermediarios.

Artistas que hoy conocemos y consumimos, como Justin Quiles, Jhay Cortez,  Mora, Coti, Young Hollywood y tantos otros, comenzaron poniéndo su música en bocas y escenarios de otros, antes de lograr mostrarse de forma completa ante el público.

Uno de los más recientes en pegar ese salto, ha sido el colombiano Kevyn Cruz, mejor conocido como Keityn, creador de temas como: “Culpables”, interpretado por Manuel Turizo; “Tulsa” de Karol G ft Nicky Minaj, “Hawai” de Maluma o el más reciente “Forever my love”, interpretado por J Balvin y Ed Sheeran..

Tal vez sea hora de tocar con tu dedo esos tres puntitos que aparecen a la derecha de tus temas favoritos, y ver quiénes son los verdaderos responsables de todas esas sensaciones que la música te causa. Tal vez así estemos mejor preparados para recibirlos, cuando sus nombres aparezcan primeros, al darle play a nuestra plataforma de streaming favorita.

LaMusica Recomienda – Los Wizzards

Cada vez resulta menos común ver bandas musicales, porque la tecnología de hoy permite que cualquier persona con cierto talento y conocimiento, suene como un grupo de varios instrumentistas, aún cuando se haya grabado sólo, en el baño de su casa.

Por eso cuando descubrimos a Los Wizzards, lo primero que nos llamó la atención fue lo numeroso de sus miembros, ya que lucen más como una banda de música regional mexicana que una de funk.

A Romper Con lo Establecido

Localizados en la ciudad de Miami, pero de ascendencia venezolana, cubana y jamaiquina, Los Wizzards se definen a sí mismos como un grupo que busca romper con la monotonía de la música latina actual, expandiendo el enorme abanico de opciones con el que cuenta nuestro arte, y que va mucho más allá del éxito del género urbano.

El Destino

Ofreciendo música que es casi sinónimo de fiesta y diversión, el grupo se armó como de casualidad, cuando Wizzmer, su fundador, comenzó a tocar en un bar local a “micrófono abierto” y una noche se le sumó el baterista Juseph Ballestero, animando al trompetista cubano-jamaiquino Alex Coombs y su amigo trombonista Anthony Armas, a hacer lo mismo.

Sus Miembros

Poco a poco se fueron agregando otros integrantes orgánicos, como el bajista Rafael Querales, quien había tocado con nombres de la talla de Luis Enrique y Gilberto Santa Rosa; el saxofonista David Rodríguez, el rapero Samy Hawk y el cantante Roy Robinson, que fue el último miembro en unirse al grupo.

Su Estilo

En algún lugar entre Bruno Mars y Orishas, la música de Los Wizzards resulta tan contagiosa que hasta Luis Miguel subió al escenario con ellos cuando tocaban en otro bar de la ciudad floridana, poniéndolos en el radar de muchos fans que se enteraron de su existencia, cuando dicha noticia fue publicada en medios informativos de renombre.

Una banda con una propuesta diferente, una energía contagiosa y el potencial de llegar mucho más lejos. Es por eso que Los Wizzards, es nuestro Artista Recomendado de esta semana

Bajofondo – Ni Antiguo Ni Moderno

Cuando escribimos sobre algunos de nuestros artistas latinoamericanos favoritos, además de usar sus nombres artísticos, solemos referirnos a ellos utilizando sus nacionalidades: “La cantante Brasileña… “El músico colombiano”… etc. Sin embargo, en el caso de Bajofondo, además de llamarla por su nombre, debemos referirnos a ella como “la banda rioplatense”.

Ocurre que este maravilloso grupo musical, fue fundado por los legendarios productores Gustavo Santaolalla -ganador de dos Oscars y productor de Juanes, Café Tacvba y muchos otros-, y Juan Campodónico, quien ha trabajado con Jorge Drexler, La Vela Puerca, No te va gustar, Ximena Sariñana y muchos más.

Ambos productores, una argentino (Santaolalla) y el otro uruguayo (Campodónico), decidieron crear hace 20 años este original grupo, mezcla de tango y música electrónica, que nos regaló genialidades en las voces de Julieta Venegas, Elvis Costello, Gustavo Cerati, Mala Rodríguez y muchos otros, mezclando no sólo géneros y estilos, sino el sabor de sus dos países de origen, unidos por el Río de la Plata que los separa.

Hablando de dicho río, esta semana el grupo nos regaló “Sonido Nativo del Río”, un nuevo corte, que aleja al grupo de su fusión electrónica, incursionando en el mundo urbano de YSY A, uno de los mayores referentes del Freestyling sudamericano. 

YSY es un artista de 23 años, fundador de “El Quinto Escalón” cuando tan sólo tenía 13 años, una de las batallas de freestyle más famosas de Latinoamérica.

Este choque de lo viejo y lo nuevo ha sido siempre el gran desafío de este grupo, que mezcla bandoneones con guitarras eléctricas y beats pegadizos, y que en esta ocasión bajo el lema de “No es antiguo ni moderno, pero es nuestro y es eterno”, nos presenta este tema y cinematográfico video, descrito como un diálogo entre dos orillas, en el que dan vida y personalidad al Río de la Plata.  

El tema llega como anticipo del próximo disco del grupo, en el que han trabajado junto a Aníbal Kerpel, productor que ha colaborado con leyendas como Los Prisioneros, Café Tacvba, Juanes y el mismo Santaolalla; y que aquí te presentamos:

A Quién Culpar (O Amar) Por el Auto-Tune

Durante décadas, el auto-tune ha sido mala palabra para algunos y fuente salvadora o creativa para otros… ¿Pero qué tanto sabemos al respecto?. Hoy venimos a contarte cuándo comenzó y cómo es que hoy se utiliza en +/- el 90% de lo que escuchas.

No te preocupes que no vamos a darte una aburrida lección de historia, pero sí es importante retroceder un poco en el tiempo para entender cómo es que hemos llegado hasta aquí… 

Ondas Submarinas

Mucho antes de inventar el Auto-Tune, el matemático Andy Hildebrand ya se había salvado económicamente al crear para el gigante petrolero Exxon, una serie de algoritmos súper complejos que interpretaban las ondas de un sonar, (radar utilizado para encontrar objetos debajo del agua), que ayudaba a hallar lugares dónde perforar por petróleo.

Por Culpa de (O Gracias a) un Almuerzo

Sin embargo, no mucha gente sabía que la segunda pasión de este matemático era la música; y un día, durante un almuerzo con colegas, Hildebrand preguntó qué les parecía que hacía falta inventar, a lo que alguien le sugirió como broma, que inventara una máquina que permitiera cantar afinadamente.

A raíz de ese comentario, el matemático se dio cuenta que aquellos mismos cálculos que había hecho para Exxon, podían aplicarse en la corrección de tonos vocales, y fue así que abandonó el petróleo y abrió una compañía llamada Antares Audio Technology, creadores del Auto-Tune.

Nos guste o no, su invento ha sido una de las cosas más importantes que le ha sucedido a la música pop en el último cuarto de siglo, ya que cabe aclarar, que su función real, era la de corregir desapercibidamente, aquellas pequeñas imperfecciones que aparecían en las pistas vocales, mayormente durante largas notas sostenidas.

Believe!

Sin embargo, a finales de los años 90, la cantante norteamericana Cher, grabó su famoso tema “Believe”, el cual utilizaba esta herramienta, pero lo hacía por primera vez, en forma de efecto, “robotizando” la voz de la artista.

Cuando el sello discográfico de la cantante oyó aquello, se opusieron rotundamente a lanzarlo, aduciendo que parecía como si Cher hubiese necesitado este efecto por no poder afinar correctamente, lo cual obviamente no era problema para la legendaria cantante.

Más allá de su oposición, el poder de la norteamericana, que por aquellos años era mucho, terminó por convencer a los ejecutivos y el tema vio la luz en 1998 volviéndose un absuelto hit mundial. 

Hoy en Día

Desde entonces, el Auto-Tune dejó de ser una herramienta de corrección para pasar a ser un elemento “embellecedor”. Entendemos que muchos de los que nos estén leyendo habrán sentido arcadas al leer la palabra “embellecedor”, pero lo cierto es que si lo analizan objetivamente, el Auto-tune es para la voz, lo mismo que los pedales son para las guitarras o lo que un sintetizador es para un piano. Es decir, que no es utilizado para engañar al público, sino que se ha convertido en un efecto más, dentro de la música popular actual.

Desde luego, esto no quita que alguno que otro lo utilice para no sonar como sonamos algunos de nosotros al cantar en la ducha o en el carro, pero lo cierto es que artistas como por ejemplo Rosalía, una de las voces más talentosas de la música actual, lo utiliza sin disimulo en algunas de sus canciones, al igual que de forma imperceptible en otras, porque como decíamos antes, no es ni nunca pretendió ser, un elemento creado para engañar, sino para perfeccionar, el cual hoy en día es usado además… para “decorar” la música que oímos.

5 Noticias Cortas (Pero Buenas)

Hoy te traemos cuatro que tienen que ver con artistas colombianos y una que sale de Brasil para el mundo. ¿Comenzamos?

El Encanto de Yatra

No, no fue otra cachetada de Will Smith lo que puso así al cantante, sino la emoción de haber actuado en la entrega de los Oscars, presentando el tema “Horuguitas”, de Lin-Manuel Miranda, corte que desde luego forma parte de la película “Encanto”, de Disney.

El músico publicó este video él mismo, acompañándolo con el mensaje: “Me va a tomar un tiempo asimilar esto… ✨ Gracias a todos los que me acompañaron hoy, gracias Colombia, gracias Disney, gracias Lin-Manuel, Gracias Encanto… GRACIAS DIOS”  

Maluma Expande Sus Horizontes

Maluma ni se conforma ni se duerme en los laureles. El colombiano anunció la apertura de “Royalty FIlms”, su propia productora con la que planea no sólo producir todos sus videoclips de ahora en adelante, sino también los de muchos de sus colegas de la industria.

El sudamericano que pasó del canto a la actuación y ahora a la dirección visual, ya tiene la primera muestra de la calidad de trabajo que presentará su nueva compañía, que nos llega de la mano de “Mojando Asientos”, su nuevo tema lanzado tan sólo un par de días atrás.

Anitta es #1 en el Mundo

Anitta se convirtió en la primera mujer latina en conquistar el puesto número uno de la lista Top 50 Global de Spotify.

La brasileña recibió las merecidas felicitaciones de muchas de sus colegas, incluyendo a Karol G, quien entre otras cosas escribió: “Qué chimba de logro para su país, Brasil, para su equipo y para todas nosotras. ¡Que sea el primero de muchos!”. 

Natti Natasha, por su parte, también se pronunció sobre este logro de la sudamericana, diciendo: “¡Qué felicidad! ¡Los sacrificios sí valen la pena! ¡Te lo mereces!”; al tiempo que Becky G, expresó: “Por lo duro que trabajas y por lo especial que eres. No estoy para nada sorprendida de esto”, colocando además su versión “no tan sexy” (LOL), del baile viral que acompaña a este mega hit de la brasileña.

Balvin Hizo Historia y Homenajeó a Taylor Hawkins

J Balvin se convirtió en el primer músico de reggaetón en presentarse en el Festival Estéreo Picnic, de su país. En su show de casi una hora y media, el colombiano realizó un recorrido de sus hits más famosos y aprovechó además para dedicarle un momento a Taylor Hawkins, baterista de la banda norteamericana Foo Fighters, quien fue encontrado muerto a tan solo horas de actuar en dicho país sudamericano.

El colombiano mostró un sólo de batería de Hawkins que finalizó con la frase “Taylor Hawkins Por Siempre”, para luego continuar con su presentación, interpretando su tema, “Rojo”.

Karol G Cancela Estreno

Nos referimos al remix de ”Una Noche en Medellín”, uno de los temas más esperados de los últimos días, sobre todo luego de que Karol pidiera a sus seguidores que hicieran un millón de comentarios para lanzarlo.

Fue Karol misma quien anunció la cancelación de este lanzamiento, luego de la polémica creada por De la Ghetto, quien expresó en sus redes sociales que lo habían “bajado del tema”.

Desde luego, esto hizo que mucha gente atacara en las redes a la colombiana, pensando que se trataba de una decisión suya, pero luego la sudamericana aclaró el enredo diciendo:

“Familia. Con respecto al lanzamiento del tema ‘Una noche en Medellín’, me gustaría aclarar que en ningún momento tuve conocimiento de que otros artistas habían grabado y que al parecer habían varios remix hablados hasta hace dos días que lo anuncié. Mi equipo de trabajo y yo valoramos y respetamos el trabajo de mis colegas, y aunque me encanta el proyecto y odio que este tipo de cosas pasen, hemos decidido no seguir adelante con el lanzamiento”, explicó la intérprete de “El Makinon”, poniendo en evidencia que ella no estaba al tanto que hubiera más artistas, además de ella y Ryan Castro, participando en esta nueva versión del tema. 

La Necesidad de la Música Urbana, de Encontrar Nuevos Sonidos

La música no es un arte estático como un cuadro o una estatua. La música tiene una suerte de vida propia, ya que de alguna manera, no solo es creada por los músicos que la componen, sino también por los fans que la oyen.

La relación entre un artista y quienes escuchan sus composiciones, es un ida y vuelta de información constante, en el que el músico expone su creación, y es el público el que decide si es eso o no, lo que querían o esperaban oír de él.

La Conexión Con el Público

Desde luego, esta conexión entre músico y oyente, se ha agigantado desde la aparición de las redes sociales y el auge de lanzar cortes o sencillos. ¿A qué nos referimos con esto? A que hoy en día, un artista no necesita componer y producir un álbum entero, para ver la reacción de su público; sino que por el contrario, puede ir probando una idea o estilo, y recibir, casi en tiempo real, un sí o no, de su público más cercano.

Lo Que Ese Público Pide

Lo que hemos estado notando en estos últimos meses, es que ese mensaje del público, que hoy en día sigue con pasión los numerosos lanzamientos de música urbana que aparecen cada semana, estarían pidiendo un cambio o variación.

La Que Vemos

Lo que vemos es que ya se habrían utilizado una buena parte de los ‘cartuchos’ que este género tiene para ofrecer, y que estarían incursionando más hacia otros estilos, fusionando ritmos, arreglos e instrumentación, para lograr así refrescar y desmonotonizar esta música que tanto nos gusta.

El Significado

Esto no significa que la música urbana se haya quedado sin ideas, sino que como todo en la vida, aún tu comida favorita puede cansarte, si es eso lo que comes todos los días. El éxito está en el cambio, y en no dormirnos en los laureles.

El Ejemplo

No es casual, por dar un ejemplo, que Shakira haya logrado mantenerse relevante por más de un cuarto de siglo. No olvidemos que la barranquillera comenzó haciendo pop/rock, para luego pasar por arreglos arabescos, sonidos tangueros, merengues dominicanos, bachata y por supuesto, reggaetón. 

Renovarse es vivir, decían nuestras abuelas, y tal parece que una vez más… no estaban equivocadas.

¿Se Acabaron Los “One Hit Wonders”?

Cuando alguien hace referencia a un artista ‘One hit wonder’, se refiere a un músico o grupo que en algún momento de su carrera logró embocar un hit, ya sea a nivel nacional o internacional, pero que luego no pudo superarlo con sucesivos lanzamientos.

Esto suele quitarle el sueño a cualquier artista, ya que lograr el reconocimiento y el éxito puede ser una bendición y una maldición a la vez, si dicho músico no logra repetir la hazaña.

Ejemplos

Algunos ejemplos claros de esto, en lo que hace a música en español, podrían ser ‘La Macarena’ de Los del Río, o ‘Aserejé’ de Las Ketchup:

¿Por qué ejemplos tan antiguos? Porque al parecer, el fenómeno del “One hit wonder” es una pesadilla que estaría desapareciendo tan rápido, como desapareció el grupo Azul Azul, luego de “La Bomba”.

Así Era Antes

Antes de que existieran las plataformas de streaming, los artistas requerían tener sí o sí, el apoyo de una disquera para darse a conocer. Dependiendo del potencial de un artista nuevo, la disquera pactaba con este, la inversión de una cierta cantidad de dinero, que en general se traducía en grabarles y distribuir uno o dos discos completos, con la esperanza de que el éxito de dichas producciones, les permitiera recuperar la inversión y comenzar a ganar dinero.

Cuando esto no sucedía, o cuando el artista embocaba un hit, pero los sucesivos sencillos no lograban la atención del público o las radios, lógicamente la disquera se deshacía de dicho artista, y salía a buscar ‘pastos más verdes’ por otros sitios.

Así es Ahora

Hoy en día, esto sucede cada vez menos, ya que las disqueras no invierten más ‘a ciegas’ en los artistas, sino que ahora suelen firmar a solistas o bandas que ya han logrado cierto éxito a nivel independiente, ya sea a través de YouTube, SoundCloud, o cualquier otra plataforma de streaming.

Al igual que los estudios de cine, que prefieren apostar por films como The Avengers, en los que el público ya conoce a los personajes y sus historias, los sellos prefieren realizar inversiones más seguras, en artistas que ya tengan un cierto volumen de seguidores y un hit o hits, sonando en sus teléfonos.

¿Lo Malo de Esto?

Lo malo es que desde luego, no existe la necesidad de salir a buscar sonidos nuevos o diferentes, sino simplemente tendencias que aseguren una inversión certera.

Lo Bueno de Esto

Lo bueno es que los artistas no tienen que esperar a ser descubiertos, ni tienen por qué aceptar los mandamientos de las disqueras, que muchas veces los ‘obligaban’ a modificar su imagen o su arte, en pro de mayores ventas. 

Por el contrario, son los artistas quienes poseen el control de sus carreras, ya sea a través de las redes sociales o las plataformas antes mencionadas, mediante las cuales, no solo dan a conocer sus nuevos lanzamientos, sino que además mantienen una comunicación con sus fans en ‘real time’, que les permite saber qué funciona y qué no, incluso antes de dar a conocer un nuevo sencillo.

En Conclusión

Esto les permite como mínimo, tener un selecto grupo de fieles seguidores que aún cuando su música no suene en radios, ni forme parte de los rankings de Billboard, asistirá a sus conciertos o escuchará su música en streaming, permitiendo la supervivencia del artista y por ende ayudando a hacer desaparecer, aquel antiguo fenómeno, llamado… “One Hit Wonder”.

Cómo Reencontrarnos con el Pop/Rock en Español

Primero que nada, es importante poner en claro, que en este caso, cuando decimos Pop/Rock en español, no nos referimos a Soda Stereo, Molotov, Los Prisioneros o Enrique Bunbury. Parte del problema que atraviesa hoy el género, es justamente esa fijación que tenemos, los que amamos esta música, de seguir atados a solistas y bandas de varias décadas atrás.

Lo ‘Nuevo’

Desde luego, no tenemos nada en contra de aquella maravillosa época, de hecho nuestros playlists están plagados de temas de esa era; pero es importante abrir nuestros oídos a aquellos nuevos (y no tan nuevos) talentos, que hoy llevan al hombro la bandera del rock en nuestro idioma, con todas las complicaciones que eso implica.

El Sonido

También es importante tener en cuenta, que el género de rock, ya no necesariamente se identifica con guitarras eléctricas y pelos largos. El rock de hoy, se ha fusionado con instrumentos, sonidos y arreglos influenciados por el ADN típico de cada zona del continente, como es el caso de los venezolanos de OKills, que hacen el llamado rock tropical.

El Volumen

En estos días, el mayor volúmen de producciones de rock, proviene de Argentina y México. Desde luego, esto no quiere decir que no haya rock en otros países, o que esto no vaya a cambiar en el futuro, pero la realidad actual, es que son esos dos países, donde se crea la mayor parte de lo que suena allá afuera.   

Su Procedencia

Es por eso que creemos que la música no debería ser ‘nacionalizada’. Al igual que lo dicho anteriormente, el reggaetón también proviene mayormente de dos países, Puerto Rico y Colombia, y a nadie parece importarle su lugar de procedencia.

De hecho, con el auge del reggaetón, a todos los no-boricuas, les tocó aprender un montón de palabras del lingo puertorriqueño, que nunca antes habían escuchado en sus vidas, y nuevamente, a nadie le importó.

Los ‘Views’

Todos los videos que te hemos mostrado a lo largo de esta nota, son de músicos que se dedican a esto, sin contar con los billones de ‘views’ a los que nos tiene acostumbrados el género urbano. René Pérez, mejor conocido como Residente, viene diciendo desde hace rato, que no hay que prestarle tanta atención a los números, sino al arte como tal.

Una Comparación

El más reciente video de Paul McCartney, como parte de su último disco, el cual ha sido recibido con los brazos abiertos por la crítica especializada de todo el mundo, tiene tan sólo 4.8 millones de views, y… ¡¡Estamos hablando de un Beatle!!

En otras palabras, que la música no tenga millones y millones de views no quiere decir que sea mala o poco exitosa, de la misma manera que tener menos dinero que Bill Gates, no te convierte automáticamente en pobre.

Por eso, tal vez haga falta corregir nuestras expectativas y algunas de las cosas que enumerábamos al principio, para entender que el rock está vivito y coleando, solo que en estos días, ya no suena ni se ve igual que antes. Eso es todo.  

Lo Bueno (y lo no Tanto) de la Industria del Single

Esto de consumir música en formato de sencillo y no de disco, comenzó a raíz de una compañía llamada Napster, (que aún existe) y que allá por el año 1999, inventó una forma (no muy legal) de compartir música entre sus usuarios.

Primero Un Poquito de Historia

Hasta ese momento, si querías por ejemplo, escuchar el tema “Suerte”, de Shakira, no te quedaba más remedio que comprar su disco “Laundry Service”, o cruzar los dedos para que lo pasen en la radio. Sin embargo, con la llegada de Napster, la gente comenzó a compartir canciones sueltas alrededor del mundo, como pan caliente.

A raíz de eso, las disqueras enjuiciaron a Napster, (ganando dicho juicio), pero igualmente se vieron en la obligación de modernizar su modelo de negocio. Fue así que en 2001, aceptaron la oferta de Apple (iTunes), de vender su música legalmente, pero cobrando $0.99 por cada canción en forma individual, en lugar de los $20.00 o $22.00 que costaba el disco entero.

Esto llevó a su vez a que en 2008, un sueco llamado Daniel Ek, tuviera la brillante idea de negociar con las disqueras para que pudiéramos escuchar esas mismas canciones, pero sin necesidad de descargarlas en nuestros dispositivos, creando así Spotify, y cambiando la industria del disco para siempre.

Del CD al Streaming

Esto de poder acceder a ese sencillo que tanto nos gusta, sin tener que “tragarnos” el disco entero, fue una bendición para muchos y una maldición para otros. ¿Por qué una maldición?, porque cuando nos tocaba invertir $20 o $22 dólares en un disco, no solo nos asegurábamos que la mayoría de sus temas fueran buenos, sino que para hacer valer semejante inversión, escuchábamos ese disco durante meses, sino años, antes de aburrirnos de él.

Hoy en día, el hecho de pagar una mensualidad por escuchar toda la música del planeta, (literalmente), hace que casi nos olvidemos que estamos pagando por ella, llevándonos a saltar de tema en tema y de artista en artista, casi en forma constante. La música se mueve ahora a tal velocidad, que mucho de lo que escuchábamos el mes pasado, ya hoy nos resulta ‘viejo’ o ‘pasado de moda’.

Antes y Ahora

En el pasado, producir un disco de 10 o 12 temas, solía demorar al menos un año; y creaba espacios de aire que permitían a cada lanzamiento tener su momento único, y ser así descubiertos y degustados por sus fans.

Sin embargo hoy, tu artista favorito se ve en la obligación de estar lanzando temas uno tras otro, ya que sabiendo que aquel corte que lanzó un par de meses atrás, ha quedado en el olvido, necesita llamar tu atención en forma casi semanal, para mantenerse vigente.

La Competencia

Esto crea además, una competencia voraz entre los artistas de hoy, quienes ven opacado su lanzamiento del lunes, por los diez lanzamientos del martes y así sucesivamente.

Desde luego, eso no quita que haya mega hits como ‘Despacito’, ‘Mi Gente’, o ‘Safaera’ que permanecen más tiempo en el mercado; pero en general, esos son casos esporádicos, que podemos contar con los dedos de una mano.

Al final… ¿Quién Crea Los Hits?

En el pasado, los hits, eran creados por fans, en forma orgánica. Hoy en día, existen toda clase de algoritmos y otras herramientas digitales, creadas por super nerds, amantes de las estadísticas, que prácticamente dictan los ‘mejores temas’ de una banda, o lo que ‘deberíamos oír’ de tal o cual solista.

¿Qué Tanto Conoces a los Artistas Que Oyes?

Es innegable que la ventaja del formato actual, nos permite descubrir artistas nuevos que de otra manera, tal vez jamás hubiésemos conocido. Sin embargo, no es menos cierto, que muchas veces es ese mismo streaming, el que nos lleva a desconocer temas de nuestros artistas favoritos, simplemente porque el algoritmo decidió no tocarlos.

En Definitiva

Hay quienes creen que si bien hemos ganado en cantidad, tal vez estemos perdiendo en calidad, porque si los artistas se ven forzados a lanzar temas nuevos de manera casi quincenal, uno bien podría asumir, que no es suficiente tiempo como para crear algo de calidad, bien elaborado, que meses después, nos interese volver a escuchar.

¿No Crees?